Carmel Seymour explora nuestra relación con lo desconocido provocando curiosidad con sus delicadas y detalladas acuarelas. Imágenes sorprendentes abiertas a la interpretación, un antídoto para la arrogante certeza de la ciencia y el razonamiento. Navegando por temas complejos y polarizantes con inteligencia, gracia y humor. Buscando recuperar un sentido de la sorpresa en esta sociedad secular, donde lo cotidiano se antepone a lo sublime. 
Elementos figurativos y abstractos sobre fondos blancos que refuerzan la tensión de los colores. Seymour es una ilustradora australiana actualmente radicada en Islandia. En 2009 se graduó en el Victorian College of the Arts y durante un tiempo trabajó en el mundo de la moda como diseñadora de patrones. En el 2011 recibió una beca del Council ArtStart en su país natal, tras lo cual se mudó a Reykjavik, donde se dedica a tiempo completo a su obra. Admiradora de la narrativa  dentro de la naturaleza en el arte, y devota de las pinturas figurativas de David Hockney y Wayne Theiband, así como del artista de estilo romántico Caspar David Friedrich. ¿Quieres saber más sobre Carmel Seymour?
Visita su web www.carmelseymour.com
 
Sensuales pinturas fotorrealistas. Una exploración de la psique femenina, donde la obsesión por la belleza y el glamour se mezclan indistintamente con la publicidad y las marcas. Un trabajo que representa, según su autora, “las alegrías y los desafíos de ser una mujer obsesionada con la cultura fashion contemporánea.” Pintora de tiempo completo, Anna Halldin Maule nació en Suecia en 1972, y hoy vive en la isla Hawaiana de Kauai junto a su esposo, el fotógrafo Tom Maule, con quien conforma una energética dupla creativa.  Para ver más de su trabajo visita su web: www.halldinmaule.com
 
La obra de Maurizio Anzeri son hebras de hilo bordadas en fotografías de los años 30 y 40. Arte híbrido entre la fotografía, la costura y el collage. La fuerza invisible que se encuentra entre los rasgos de un rostro, entre los espacios que pasan desapercibidos, traídos a la luz por medio del bordado. Interrelaciones escondidas en las estructuras de imágenes que hacen el papel de lienzos blanco y negro, de cimientos sobre los cuales construir telarañas de colores.    La obra de Maurizio Anzeri son hebras de hilo bordadas en fotografías de los años 30 y 40. Arte hibrido entre la fotografía, la costura y el collage. La fuerza invisible que se encuentra entre los rasgos de un rostro, entre los espacios que pasan desapercibidos, traídos a la luz por medio del bordado. Interrelaciones escondidas en las estructuras de imágenes que hacen el papel de lienzos blanco y negro, de cimientos sobre los cuales construir telarañas de colores. Patrones que cubren a las figuras como si fueran prendas, o como auras de sensaciones que escapan. En palabras de su autor: “Busco explorar la esencia de los signos y sus manifestaciones físicas.  Utilizo el bordado como un intento de re-significar y demarcar un espacio con un trazo”. Mascaras surrealistas o esculturas geométricas, el resultado es atractivo y fascinante. Maurizio Anzeri nació en Loano, Italia en 1969 y actualmente reside en Londres, donde antes estudió en la Slade School of Fine Arts. Ha trabajado para Alexander McQueen, The New Yorker, Vogue, Dazed and Confused, entre otros. Para ver más del trabajo de Maurizio Anzeri visita: www.maurizio-anzeri.co.uk
 
Jean Pierre Gibrat, talentoso artista del cómic, nació el 14 de abril de 1954 en París, Francia. Estudió filosofía, ilustración publicitaria y estuvo dos años en la Facultad de Bellas Artes antes de abandonarla para dedicarse a su pasión, los cómics. Sus primeros trabajos se publicaron en la revista “Pilote” y en variados medios impresos. En 1997 publicó su trabajo emblemático, la novela gráfica “Le sursis”, ambientada durante la segunda guerra mundial, en una Francia ocupada por los Nazis. El estilo de Gibrat se caracteriza por un tono realista de matices clásicos, ambientaciones increíbles, sugestivas y atmosféricas, detalles estéticos y, por supuesto, hermosas protagonistas, estudios femeninos que revelan su reconocida afición por retratar mujeres con líneas sensuales. Un perfeccionista obsesivo. Según sus propias palabras, le dedica entre 30 y 40 horas a cada panel de sus cómics. Entre sus influencias se encuentran el caricaturista John Mulatier, el pintor sueco Carl Larsson, el español Joaquín Sorolla y el surrealista francés Monet. En cuanto a la historieta destaca a los nombres de Jacques Tardi y Hugo Pratt. En el 2003 recibió el Sanglier de Plata en el Premio Albert Urdezo y en el 2010 obtuvo el premio “Grand Boum-Ville de Blois” del festival BOUM por la totalidad de su obra.
 
Se autodenomina como “fotógrafo minimalista” y la única cámara que utiliza es la del iPhone. Orgulloso creador del hashtag viral #mcminimal, el fotógrafo inglés Tony Hammond ha reemplazado equipos costosos con una mirada creativa y decorados  de lujo con cortinas de luz tan omnipresentes que resultan casi abstractas.  Una visión mágica de los espacios negativos y un zoom enfático en objetos y personas cotidianas. Pigmentos pasteles y composiciones minimalistas que renderizan momentos enmarcándolos con luz suave y brillante. Otro artista del smartphone que encuentra soluciones en su propio bolsillo y juega con las posibilidades que, irónicamente, nos proveen los limites.   El increíble resultado está disponible en su cuenta de Instagram. ¡No se lo pierdan!  www.instagram.com/iamtonyhammond
 
Precisión geométrica El colectivo de diseño 13&9design en colaboración con el diseñador Martin Lasnik desarrollaron esta colección de gafas en la que destaca la precisión y la imagen geométrica. 
Este exclusivo diseño de altísima calidad no cae en la categoría de mainstream. Basado en un atractivo concepto geométrico, Lasnik consigue un producto refinado y bello gracias a su delicado acabado manual.   Más información:  www.13and9design.com
 
Anne-Sophie Pic, la única mujer francesa que ha recibido tres estrellas Michelin, heredera de “La Maison Pic”, el legendario restaurante que su bisabuela fundó hace 125 años, es la más reciente luminaria en una dinastía de refinada elegancia culinaria. Su obra “Le Livre Blanc” (El Libro Blanco) es un texto extraordinario que poco tiene que ver con el libro de cocina común.  Un tomo pesado y minimalista que bien podría pasar por una publicación de diseño o fotografía. Recetas espectaculares de preparación gourmet con ingredientes rebuscados a los que, lamentablemente, no tendrás acceso sin pedirlos por correo (vainilla tahitiana, polvo de Bora-Bora, haba tonka, entre otros). La reconocida autodidacta presenta platos artísticos que no se parecen a nada hecho en ningún otro sitio, creatividad en la frontera más experimental, una búsqueda obsesiva por la perfección gustativa y estética, donde los sabores y las texturas se unen con la mejor técnica y la presentación más artística.  Un regalo perfecto tanto para el ambicioso geek de la cocina que quiere apreciar lo más alto y complicado del arte gastronómico, o para el fotógrafo o diseñador que quiere disfrutar de las increíbles fotografías que Michael Roulier ha realizado para el libro.  
 
DAAS es un artista estadounidense radicado en Japón, sumamente conocido por sus pinturas y murales de estilo geométrico, coloridos y atrevidos. Tomando inspiración de las interrelaciones entre el caos y el control, sintetiza líneas, formas geométricas, ricas texturas y vividos colores para producir una obra que se sirve tanto de elementos representacionales y abstractos, para crear formas reconocibles como seres humanos, animales o insectos.  Homenajes a las figuras que admira o experimentos visuales. Delicados planos estructurales que revelan un atractivo resultado en un aparente uso arbitrario de los tonos y los matices, estrictamente separados en espacios que recuerdan las piezas de un rompecabezas o un trazado digital, pero que en realidad son hechas con acrílicos. USA, Japón, República Dominicana y Nepal han sido escenario de sus murales más grandes, donde el contraste entre sus colores y las calles grises resulta motivador. ¡Imperdible! Para ver más del trabajo de DAAS visita su página web
www.artist-daas.com
www.daas-art.com    
 
Bluetooth Speaker con gravedad cero 
No está muy lejos el día en el que podamos manejar autos que leviten. Así es como visualizábamos el futuro del siglo 21, pero hasta que eso suceda, por qué no disfrutar de música que levite. ¿Suena raro?  David DeVillez fundador y CEO de OM Audio encontraba necesario crear un speaker que se diferencie del resto. Que no sea solo funcional, sino que sea atractivo y con una calidad de sonido incomparable.   El OM/ONE es un speaker que se puede sincronizar con la mayoría de computadores, smartphones o tablets vía bluetooth, posee una excepcional calidad de audio, y su micrófono incorporado te permite utilizarlo para tus video conferencias con estilo y gran fidelidad.  Su diseño futurista nos muestra un orbe que flota sobre un pedestal que sirve además como cargador. El orbe es portátil y alcanza una distancia de 10 km, su batería de tecnología industrial alcanza las 15 horas de reproducción continua. El OM/ONE sin duda está en la lista de gadgets para esta temporada. Más información en: www.omone.com
 
Conectados por la música  Al primer artista "resident" en Spotify se le ocurrió que sería interesante saber cuando dos personas le ponen play a la misma canción. La aplicación "Serendipity" creada por Kyle McDonald te muestra, además, la ubicación de las personas que escucharon esa canción, y si te gusta lo que escuchas puedes presionar pausa y disfrutarla. Esta aplicación no tiene un fin útil, pero es interesante como la música es capaz de conectar (de alguna forma) personas alrededor del mundo.
 
La mítica obra de Luigi Serafini     Hecho entre 1976 y 1978, esta enciclopedia ilustrada de un mundo imaginario es obra del artista, arquitecto y diseñador industrial italiano Luigi Serafini. Considerado por algunos como una crítica temprana al mundo tecnológico de hoy, Serafini, crea una especie de lenguaje surrealista, que el autor aclara, no tiene un mensaje oculto. Muchos difieren de esta declaración.  El Codex plasma ideas que no necesariamente tienen sentido, y ese es su mayor atractivo. Esas imágenes estimulan la mente del lector enviándolo a estos mundos imaginarios en donde tratará de darle un sentido a eso que ve. Igual que un niño cuando trata de leer un libro que no puede entender todavía. El Codex Seraphinianus es indispensable para aquellos que aprecian el arte surrealista y la ilustración.
 
No hace mucho empezó este resurgimiento de la apreciación de la música en vinilo. Lo que resulta positivo para los amantes de la música, ya que como todos sabemos, los formatos comprimidos solo reducen la experiencia real de la música que escuchamos. 
¿Vendiste tu tornamesa y no sabes cuál sería la mejor opción? Nosotros te recomendamos la tornamesa RP78 de la marca RIGA. 
Diseñada con un estilo minimalista, y desarrollada con componentes de extrema calidad para lograr el mejor sonido posible. Solo para vinilos de 78 rpm.
El brazo utiliza su exclusivo tubo de fundición a presión y la técnica de fijación de tres puntos sobre la base del sistema de diseño de montaje. Este sistema reduce el estrés en el centro, ofreciendo una mayor estabilidad. Todo esto se traduce en más música para el oyente. Esta una de las mejores opciones en tornamesas en el mercado. Aprovecha todos los matices de tu música preferida con el RP78 de REGA. Más información: http://www.rega.co.uk/   
 
Toques minimalistas y surreales, una obra atmosférica llena de sensibles y delicadas líneas alargadas. Un mundo de femineidad hiper estilizada con vestimentas de ensueño. Así es el trabajo de Velwyn Yossy, hoy radicada en Londres, una artista freelance que trabaja en las áreas del diseño, la ilustración y la moda.  Tras graduarse en el 2012 del Art Center College of Design en Diseño para la industria del Entretenimiento, se ha dedicado al campo del video-diseño y sobre todo a su pasión como ilustradora de modas. Le fascinan los pequeños detalles de la vida, el modo en que los colores afectan nuestras emociones y cómo los movimientos gestuales sugieren pensamientos que nos son trasmitidos por delante de las palabras. Ha trabajado para Samsung, Toshiba, Oreo, LA Times, entre otros.
 
La luz, tanto su ciencia como su magia, está en el centro de toda la obra de Klea McKenna. Un juego lumínico que lleva la fotografía a nuevos terrenos no explorados. Materiales análogos que son a la vez fuente de inspiración y de limitación para su trabajo.  Según McKenna, más que tomar fotografías lo que hace es buscar maneras de que materiales sensibles a la luz interactúen directamente con el paisaje, revelando así algo inesperado, algo que decodifique la forma en que experimentamos un lugar o un fenómeno. Por medio de estrategias crudas como cámaras sin trípode, fotogramas en exteriores, y dobleces en el filme en sí también busca crear pequeñas imágenes–esculturas, que a momentos se vuelven tan visibles como lo retratado en las mismas.  Klea McKenna es una artista radicada en San Francisco, California, donde creció dentro de las subculturas bohemias. Sus padres le inculcaron gusto por la aventura y la experimentación. Estudió arte y fotografía en el Florence Art Institute, UCLA y en UCSC. Además de dedicarse a sus proyectos personales es, junto a la escritora Nikki Grattan, co-fundadora y fotógrafa de “In The Make”, una bitácora online sobre los artistas de la costa Oeste de USA. Para más información visita www.kleamckenna.com
 
Mueblería retro vintage   La colección de muebles St. Barth de Luis Pons, para el Guanahani Hotel & Spa, evoca un estilo colonial francés clásico. Esta inspirada por la mueblería utilizada por exploradores en épocas de la colonia. Cada pieza del mobiliario refleja el espíritu de la marca Guanahani. Cada linea representa una persona, un carácter único.    Los muebles han sido diseñados como un sistema de juego de piezas en el que los dos componentes principales se pueden cambiar y adaptar de acuerdo a las necesidades de la habitación.  La base, una plataforma de metal pulido clásico, tiene una serie de cabinas y cajones, hecho de madera y tejido Panama hat, para proveer al hotel con una linea de muebles que se identifiquen con el estilo de vida viajero vintage de grandes maletas.     PH: Stephan Gottlicher
Más información en: www.luisponsd-lab.com
 
Mochilas-peceras con peces vivos, tejidos con textura de alga o de escamas, y muchísimo color. Cassandra Verity Green es una marca de tejidos de punto recientemente inaugurada en Londres que ha dado mucho de qué hablar. Tomando inspiración directa de experiencias, emociones y memorias, como el filme “La Hija de Neptuno” protagonizada por Esther Williams, sobre una atleta de nado sincronizado. 
La joven diseñadora se exige a sí misma hasta extremos técnicos y laboriosos de gran intensidad y esto, combinado con el proceso de manufactura de Santoni, le permite crear una estética original, fresca y energética. Cassandra  crea una explosión lúdica entretejida con inocencia. Tras graduarse del Central Saint Martins en 2013, Cassandra resultó la ganadora de la competición “Fashfactor” organizada por Grazia y Liberty, por lo cual ganó el privilegio de ser patrocinada por Spinexpo y Santoni Shanghai, y apareció en publicaciones como Elle, Dazed and Confused, Hunger y I-D. La revista Vogue la eligió como una de las nuevas diseñadoras a las que uno debería prestar atención este año.
¡No la pierdan de vista!   Quieres saber más acerca de Cassandra visita su web: www.cassandraveritygreen.com
 
El concepto de zoológico llevado al siguiente nivel    "La labor más importante que tienen los arquitectos es diseñar ecosistemas artificiales, para asegurar que nuestras ciudades y construcciones encajen en la manera en la que queremos vivir." Es el pensamiento de este equipo de arquitectos a cargo de este proyecto con ideas utópicas sobre la construcción y a dónde debe apuntar. Añaden "Debemos estar seguros que nuestras ciudades ofrecen un marco generoso para todas las personas; de diferentes orígenes, economía, genero, cultura, educación y edad. Así pueden vivir juntos en armonía mientras se toman en cuentan sus necesidades individuales, así como las colectivas."  El reto es más difícil si se piensa en un Zoológico. "Es nuestro sueño crear el mejor medio ambiente para animales, para su interacción y para los visitantes." El equipo de Givskud Zoo re interpreta el concepto de zoológico, le da la vuelta, el espacio "artificial" para los animales será lo más cercano a su medio ambiente, y los visitantes podremos interactuar con ellos casi con completa libertad.  El Givskud Zoo trata de crear un marco habitable para diversos usuarios y residentes como gorilas, lobos, osos, leones y elefantes; es una tarea extremadamente compleja.  "Estamos complacidos en embarcarnos en esta excitante aventura de descubrimiento con el equipo de Givskud y los animales -esperamos que podamos mejorar la calidad de vida de los animales así como la de los guardianes e invitados. Pero claro,  también descubrir ideas y oportunidades que pueden ser aplicadas a la jungla urbana. Quien sabe, un rinoceronte podría enseñarnos algo sobre cómo vivimos, o cómo  podríamos vivir."   Líder del proyecto: Nanna Gyldholm  Socios responsables: Bjarke Ingels, Jakob Lange  Equipo: Aleksander Wadas, Thomas Juul Jensen, Romain Pequin, Agnete Jukneviciute, Sofia Adolfsson y Maren Allen  Locación: Givskud, Dinamarca Más información en: http://www.big.dk/
 
Excelente diseño y calidad sonora  Sabemos que existe una tonelada de audífonos increíbles para escoger, pero eso no es suficiente. Para Master & Dynamic lo importante es su filosofía: "Vemos nuestros headphones como modernas cápsulas de pensamiento, una herramienta que nos ayuda a enfocarnos y a sintonizarnos en lo que hacemos. Master & Dynamic lanza los MH40 Headphones de 200mm x 185mm x 50mm, con un peso de 360 gramos, recubierto con cuero premium en la superficie de la banda exterior y los bordes de los auriculares. Los componentes son de acero y el cuerpo es de aluminio para que dure décadas. Incluye cables tejidos que aseguran un sonido puro, reduciendo al máximo el ruido. Este vistoso modelo MH40, no solo ofrece calidad sonora, sino que va acompañada de un exclusivo diseño que solo Master & Dynamic puede lograr.    Más información: www.masterdynamic.com  
 
Este libro de Ray Mock documenta la residencia artística que Banksy realizó en Nueva York en Octubre de 2013, donde develó una obra diaria durante todo el mes. La residencia titulada “Better out than in” (Mejor afuera que adentro), en referencia a la frase de Cézanne: “Las obras pintadas adentro, en un estudio, nunca serán tan buenas como aquellas hechas afuera.”   El libro contiene más de 120 fotografías que repasan, día a día, las apariciones de Banksy, en un recuento en primera persona de las reacciones de los residentes y propietarios de los lugares donde aparecían los controversiales stencils. El autor, Ray Mock, escritor y fotógrafo, ha documentado el arte del graffiti desde hace años, tanto en Nueva York como en todo el mundo.
 
Irreverente y transgresor.
Alguna vez afirmó: “Los únicos retratos honestos son los de personas muertas o inconscientes.” Este libro de la editorial “Phaidon” es una magnifica introducción al vanguardista trabajo de Guy Bourdin (1928-1991), uno de los grandes innovadores en el campo de la fotografía de moda. Su obra seductora y glamorosa, frecuentemente surreal, revolucionó el género de la fotografía editorial.  Esta edición incluye algunas de sus clásicas campañas para Charles Jourdan y Dior, y su trabajo para Vogue de Francia, así como otras imágenes menos conocidas que nos permiten descubrir la influencia que este fotógrafo  ha tenido tanto en la fotografía comercial como artística. Otra excelente entrega de la serie "Phaidon 55s", en esta ocasión curada por Alison Gingeras. También disponible para iPad. SHOOTS Guy Bourdin empezó su carrera fotográfica en Paris en 1952. Inició su trabajo en Vogue en 1954. Inspirándose en el surrealismo, especialmente el trabajo de Man Ray, Bourdin se dedicó a explorar las capacidades del medio, rompiendo así con toda tradición. A la par que otros fotógrafos, sobre todo Edward Weston, buscó la perfección formal y una sofisticación estilística a la vez que sobrepasar los límites aceptados. En Vogue Bourdin exigió, y obtuvo, control editorial completo de sus trabajos. Cambiando el enfoque puramente comercial de la época por tomas atmosféricas, casi narrativas. Sus shoots de moda son misteriosos e hipnóticos, exponiendo la naturaleza del deseo, demostrando que no es tanto el producto el que nos atrae, sino la imagen, que simula el deseo del consumidor.   Chequea más sobre Guy Bourdin en:  www.phaidon.com www.guybourdin.net